Taller de iniciación a la escultura
Pintura
Pintura contemplativa
Ikebana (arranglo floral japonés)
Sumi-e
Dibujo
Trabajos de alumnos
Este taller de iniciación a la escultura, está pensado con una doble intención: por un lado conocer la obra de un escultor, Alberto Giacometti (1901-1966) y apoyándonos en su trayectoria iniciarnos en el manejo del volumen.
Giacometti fue escultor, pintor y dibujante, a lo largo de su carrera dibujo muchísimo. Se interesó, estudió y copió, el arte: Egipcio, de Bizantino, el Romano, el Medieval, el Etrusco, el arte de las Cicladas, la escultura africana, y además se interesó por muchos pintores entre ellos Giotto y Tintoretto.
Mi propuesta se basa en escoger tres de las culturas por las cuales él se interesó; la africana, las cicladas y la etrusca. Hacer una pieza de cada una de estas tres culturas.
El primer trabajo lo haremos en arcilla, este es un material muy dúctil, se trabaja con gran facilidad, es agradable al tacto y permite equivocarse y rectificar; es fácil añadir y sacar material y por su manejo es el más apropiado para empezar a familiarizarse con el volumen.
El segundo material con el que abordaremos la siguiente pieza será el Ytong. Este es un material moderno, que se presenta en forma de bloques del que solo se puede sacar, fácil de trabajar, técnicamente es como si se trabajara con un trozo de madera o de piedra, pero mucho más fácil y rápido de trabajar.
Miguel Ángel, escultor del Renacimiento, definía su trabajo como escultor diciendo que él sacaba todo lo que sobraba del bloque de mármol para facilitar que la figura que había dentro de la piedra saliera a la luz. Nos aproximaremos a este pensamiento.
El tercer material que os propongo es el yeso. En función de la pieza que escojáis hay que hacer una estructura interna y luego se recobre de gasas y de yeso.
Muchas de las piezas que conocemos de Giacometti las hizo con este material, luego se pasaron a bronce.
Aprender a pintar puede hacerlo cualquier persona, es una capacidad natural que se puede desarrollar.
La nuestra es una cultura de imágenes y pintar facilita que nuestras propias imágenes vean la luz; ya lo decía Paul Klee “El arte no reproduce lo visible; lo hace visible”.
Básicamente hay dos maneras de aproximarse a la pintura: una interna y otra externa. Según el tipo de persona que seas te gustara más una o la otra, pero de hecho las dos son buenas para comenzar o para continuar…
La vía interna te permitirá desarrollar tu propio mundo creativo y sobre esta base, yo te iré ayudando a aplicar las diferentes técnicas, a solucionar problemas de manera que puedas conseguir aquello que buscas.
Por otra parte si te gusta más establecer diálogos con técnicas, con maestros, o con ideas –la vía externa- y a partir de estos planteamientos iniciar un proceso de descubrimiento, percepción y conocimiento iniciándote así en el lenguaje pictórico.
El hecho que hayas escogido una de las dos vías, no excluye que puedas también hacer acercamientos a la otra.
Copiar un icono, un cuadro o una pintura es una forma de aproximarse a la pintura, pero también es una forma de hacer meditación.
Lo importante de copiar una obra, un icono no es la obra en sí, lo importante es el proceso. Escoger la obra que queremos copiar, es el primer paso, no sirve cualquier obra o cualquier pintor, o cualquier pregunta, de alguna manera tenemos que admirar la obra que queremos copiar, o el pintor que queremos conocer porque lo que haremos será emprender un diálogo no verbal, pero diálogo finalmente, En realidad nos tendremos que concentrar en cada milímetro del cuadro, en cada pincelada, en cada color en cada forma, hacernos íntimos con la pintura.
Dejar que cada pincelada vaya haciendo su trabajo en nosotros, estar disponible, concentrado, humilde, no hay nada que tengamos que comprender, nada a analizar, solo tenemos que copiar aquello que tenemos ante los ojos.
Con este ejercicio de imitación hay mucho a descubrir y hay que pintar un icono para saber lo que cada uno de nosotros estamos preparados para saber.
El silencio que envuelve esta actividad nos ira engullendo, en un espacio y tiempo donde todo desaparece, y así, el pintor o el cuadro o la pregunta, que estamos pintando se hace presente en nosotros, seremos él (o el cuadro o la pregunta) y nosotros al mismo tiempo, sin ser ni el ni nosotros.
Este copiar del que yo hablo tiene un plus, reorienta. Sigue a la pintura y descúbrelo por ti mismo.
El Ikebana es una forma de arreglo floral proveniente del Japón. Es un arreglo floral muy difundido se encuentran ramos de flores en las oficinas, en las tiendas, en las casas particulares, de hecho hacer un ikebana es muy común, casi todos saben hacerlo. En las casas japonesas hay un espacio expresamente diseñado para la colocación del arreglo floral se llama tokonoma.
En el Japón hay más de 3000 escuelas de Ikebana. El Ikebana forma parte de las escuelas de arte, en el sentido occidental del termino.
Los japoneses importaron el arreglo floral de la China en el 900 después de J.C. aproximadamente y a lo largo de estos siglos lo han ido incorporado a su cultura, tanto es así, que hoy se aprecian más los arreglos japoneses que los Chinos.
Hay diferentes estilo dentro de los arreglos florales, los más conocidos son el Moribana y el Nageire. El estilo Moribana utiliza los kenzan (unos pinchos para sostener las flores), el Nageire es un estilo libre.
El amor por las plantas y las flores crece a media que aumenta el nivel cultural de un país.
Lo que buscan los japoneses con la practica del Ikebana va más allá de “saber” hacer un arreglo floral bonito les facilita el contacto con la naturaleza, les permite captar la belleza i la fugacidad de las flores y por extensión el de la vida, y la manipulación de estas les refina la personalidad.
Sumi-e, es una palabra japonesa, sumi significa “tinta negra”, y e, pintura.
Esta es una técnica que llega del Japón procedente de la China juntamente con todo el legado Budista. Es un tipo de pintura a la aguada monocroma, se parece a la acuarela.
Es una técnica muy fácil de practicar y muy sintética. Enseña a mirar y a pintar representando solo lo esencial. Se parte de modelos establecidos, una vez los modelos se han aprendido lo que el pintor de sumi.e traduce sobre el soporte blanco del papel es la expresión de su “visión”: visión subjetiva y por tanto muy personal.
Los japoneses comparan la vida al sumi.e. Dicen que la vida no es como una pintura al óleo que se puede retocar tantas veces como uno crea conveniente, hasta llegar al efecto deseado. El sumi.e no se puede corregir y así es la vida no se puede rehacer lo que está hecho, por eso la preparación, la atención tanto física como espiritualmente es importante, en esta práctica.
Podríamos definir el dibujo como el equivalente de pensar. De hecho algunos dibujos se hacen para entender y desarrollar una idea, o sea son como las notas que se toman cuando se escribe. Dibujar es aprender a ver decía Le Corbusier.
Hay otros tipos de dibujos, dibujos que surgen de la imaginación y dibujos que se basan en la realidad que tenemos enfrente de nuestros ojos. De cualquier manera el dibujo se va construyendo poco a poco línea a línea y nos obliga a detenernos a entrar en su tiempo, requiere de nuestra paciencia, nos pide calma.
Matisse relacionaba el dibujo con la pintura y decía: “Creo que el estudio por medio del dibujo es absolutamente esencial. Si el dibujo nace del espíritu y el color de los sentidos, es preciso dibujar para cultivar el espíritu y ser capaz de guiar el color por los senderos del espíritu”.
El dibujo también puede ser un espacio de experimentación, de libertad y de libre asociación de ideas. “Mis dibujos no son imágenes, sino una escritura privada” Franz Kafka
